Langer Weg zur sozialen Sicherheit

Mein Lieblingsausweis heisst «Armuts-Zeugnis». Er ist blau, aus dünnem Karton und wenig grösser als eine Kreditkarte. Ausgestellt hat ihn das «Amt für Lebensfreude der Stadt Zürich» vor über zwanzig Jahren. Der Ausweis erlaubt den «freien Zugang zu sämtlichen Hintertürchen und Nebenzimmern», und wer ihn auf sich trägt, «darf dumme Fragen stellen und alle Antworten schuldig bleiben». Selbstverständlich hat nicht die Stadt diesen Ausweis gestaltet und ausgehändigt, sondern ein Künstler, der ein Nachbar war. Das Mehrfamilienhaus, in dem wir lebten, wurde renoviert und wir alle rausgeschmissen. Mein Mitbewohner Christian, auch er ein Künstler, zog nach Berlin. Als ich ihn dort besuchte, ­sagte er: «Ich möchte gerne zurückkommen. Aber hier kann ich überleben – ich wüsste nicht, wie ich das in Zürich anstellen sollte.»
Heute lebt Christian noch immer in Berlin, und noch immer in prekären Verhältnissen. Seine Freunde sind sich einig, dass er längst berühmt und erfolgreich sein sollte, so wie ein Kumpel von ihm aus dem Vorkurs der einstigen Kunstgewerbeschule Zürich, der jetzt zu den teuersten zeitgenössischen Malern weltweit gehört, Urs Fischer. Ein grösseres Bild von Urs Fischer kostet schnell einmal eine halbe Million. Fischer gehört zum einen Prozent der Kunst-Superstars, Studienkollege Christian zu den andern 99 Prozent. Die beiden sind repräsentativ für den ganzen Berufsstand.

Die tiefen Einkommen, mit denen sich die allermeisten Künstlerinnen und Künstler herumschlagen, sind selten ein Thema. «Man spricht in der Kunst nicht über Geld», sagt Eva-Maria Würth, die selber Künstlerin ist – sowie Dozentin an der Kunsthochschule Luzern und engagierte Kulturpolitikerin. «Auch die Zeit, die es braucht, um Kunst herzustellen, der ganze Aufwand: Über beides wird kaum gesprochen. Diese Tabuisierung hat mit Scham zu tun: damit, dass Künstlerinnen und Künstler zwar erfolgreich Projekte realisieren können, es monetär jedoch auf keinen grünen Zweig bringen beziehungsweise ständig unterbezahlt werden.»
In der reichen Schweiz wird allgemein höchst ungern über Geld gesprochen – aber vielleicht wirkt sich dieses Tabu nirgendwo sonst so kontraproduktiv auf die Personen aus, die es selber mitkultivieren, wie in der bildenden Kunst. Ein Beispiel sind die fehlenden Ausstellungshonorare: Während es völlig selbstverständlich erscheint, dass eine freischaffende Schauspielerin für Aufführungen im Theater und ein Musiker im Orchester bezahlt wird, auch eine Technikerin, die für eine Filmproduktion arbeitet, zahlen viele Kunstmuseen – vor allem die grossen – den bildenden Künstlerinnen und Künstlern, die bei ihnen ausstellen, kein Honorar.
Der Spekulationsgedanke durchdringt die Kunstwelt von oben bis unten – alles scheint darauf ausgerichtet, dass eine Künstlerin erfolgreich sein wird, ihre Werke sich teuer verkaufen werden. Und so fehlen verbindliche Regelungen für die Arbeit, die Kunstschaffende etwa auf Einladung eines Museums leisten. Regine Helbling, Geschäftsführerin des Berufsverbands Visuelle Kunst, Visarte, erklärt: «Die Museen, die vom Direktor über das technische bis zum Putzpersonal alle ausser die Kunstschaffenden bezahlen, argumentieren damit, dass deren Werke durch die Ausstellung von einem Werbeeffekt und einer Wertsteigerung profitieren würden. Das mag einmal so gewesen sein, deshalb ist man früher nicht auf die Idee gekommen, Künstlerinnen und Künstlern ein Honorar zu bezahlen.» Sie habe es schon damals nicht richtig gefunden, «aber das Spiel funktionierte da irgendwie noch. Heute ist es anders: Wenn eine Künstlerin in einem grossen Kunstmuseum ausstellt, rennen nachher nicht alle in die Galerie, um Werke von ihr zu kaufen.» Und zeitgenössische Kunst lässt sich zum Teil ohnehin kaum verkaufen, Konzeptkunst etwa oder auch grossformatige Installationen.

Die Kunst hat sich verändert und auch der Kunstmarkt. Es ist heute viel von Konzentration die Rede. Kürzlich zeigte ein Porträt des Ostschweizers Iwan Wirth und seiner Top-Galerie Hauser Wirth im «Magazin» des «Tages-Anzeigers» auf, wie globalisiert der Kunstmarkt heute ist und wie gnadenlos der Konzentrationsprozess, in dem die grossen Galerien immer mächtiger werden und die kleinen nicht mehr rentabel sind und schliessen müssen – nicht zuletzt auch, weil die grossen ihnen auserwählte Kunstschaffende abwerben. Auch diese Entwicklung hat für die 99 Prozent der wenig Verdienenden Folgen, denn bis anhin bauten viele kleine und mittelgrosse Galerien Künstlerinnen und Künstler auf, pflegten sie über Jahrzehnte hinweg und verkauften ihre Werke. «Das funktioniert heute so nicht mehr», sagt Regine Helbling.

Umso grösser ist deshalb die Bedeutung der Kunstförderung durch die öffentliche Hand und Stiftungen. Die Förderung helfe gerade jüngeren Künstlerinnen und Künstlern, ein Profil zu entwickeln, um später davon leben zu können, sagt Helbling. Und Eva-Maria Würth: «Jahre der Praxis, sprich der Erfahrung und der Profilierung, brauchen auch jene Kunstschaffenden, die als Ziel vor Augen haben, in den einzigen geregelten Beruf einzusteigen, den es für sie gibt: den der Dozierenden. Denn Lehren kannst du nur unmittelbar aus der Praxis heraus.» Aber selbstständig Kunst machen bedeutet im Klartext: zu prekären Bedingungen arbeiten. Und so, sagt Würth weiter, müsse man «zuerst ein paar Jahre im freien Fall gewesen sein, um überhaupt eine Anstellung als Dozentin zu erhalten. Kuratorin wäre eine Alternative, aber dieser Beruf wird zumeist von Kunsthistorikerinnen ausgeübt.»

Wenn Eva-Maria Würth vom «freien Fall» spricht, meint sie: Das Netz aus Sozialversicherungen, das in der Schweiz den Absturz in die Armut verhindern soll, trägt bei den bildenden Künstlerinnen und Künstlern wie überhaupt bei den selbstständigen Kulturschaffenden nicht. Es hat längst erkannte Lücken. Wie gravierend diese sind, zeigt sich jetzt, wo wegen der Corona-Pandemie alle Veranstaltungen abgesagt werden mussten und die Kultur noch viele Monate keine Planungssicherheit haben wird. Durch den Corona-Notstand leuchten die sozialen Missstände grell und deutlich. Nur dank der Covid-Unterstützung der öffentlichen Hand für den Kultursektor werden sie teilweise abgemildert.
Bereits 2016 machte die zweite Erhebung des Vereins Suisseculture Sociale, der sich für den Auf- und Ausbau der sozialen Sicherheit der professionellen Kulturschaffenden einsetzt, klar: Die Einkommen in der Kunst sind prekär. Nur die wenigsten – rund zwanzig Prozent – können allein von ihrem studierten Beruf, der Kunst, leben. Kein Wunder: 57 Prozent geben an, im Jahr weniger als 10 000 Franken mit ihrer Kunst einzunehmen; im Schnitt verdienen Kunstschaffende in der Schweiz jährlich magere 30 500 Franken (Medianwert), gerade mal ein Prozent verdient mehr als 100 000 Franken. Eine Familie miternähren? Schwierig. Auch hinsichtlich der Absicherung im Alter sieht es schlecht aus, Suisseculture Sociale spricht von einem «noch langen Weg zur sozialen Sicherheit»: Weniger als jede oder jeder Zweite verfügt über eine Altersvorsorge, die über die AHV hinausgeht.

Eine wichtige Verbesserung zeichnet sich nun aber ab, und zwar bei den Ausstellungshonoraren: Während dieses Heft im Druck ist, debattiert das nationale Parlament über die Kulturbotschaft des Bundesrats. Und darin steht: «Die Unterstützung von Ausstellungen und Publikationen wird künftig von der angemessenen Entschädigung der daran beteiligten Künstlerinnen und Künstler abhängig gemacht.» Das bedeutet: Kunsthäuser sollen künftig nur dann Geld vom Bundesamt für Kultur und von der Pro Helvetia erhalten, wenn sie ihren Künstlerinnen und Künstlern ein Ausstellungshonorar bezahlen.
Auch am Selbstbewusstsein des ganzen Berufsstandes müsse dringend gearbeitet werden, sagt Eva-Maria Würth: «Es tut not, dass bildende Kunstschaffende für ihre berufliche Anerkennung, eine faire Entlöhnung und eine angemessene soziale Absicherung einstehen.» Noch dieses Jahr legt Visarte neue Leitlinien zur Vergütung von Leistungen bildender Künstlerinnen und Künstler vor, die als Mindestansätze zu verstehen sind. Die Ansätze sind: tief.